Зачем люди танцуют. История танца для детей [Ирина Вадимовна Сироткина] (pdf) читать онлайн

Зачем
люди
танцуют
Ирина
Сироткина
Мария
Титова

История
танца
для детей

Приглашение
к танцу
Привет! Приглашаем вас в мир танца!
С тех пор как люди помнят себя, они всегда танцевали. Ещё не умея
писать, они плясали и рисовали свой танец. Самому древнему наскальному
рисунку танца восемь тысяч лет! Люди танцуют везде: на улицах и площадях,
на вечеринках, дискотеках, праздниках, на театральной сцене. Из этой книги
ты узнаешь о самых разных танцах: народных, или традиционных, передающихся
от поколения к поколению «через ноги», о церемонных бальных, которым, как
и бальному этикету, надо учиться, о классическом балете и современном танце,
о танце инклюзивном — таком, заниматься которым может каждый, независимо
от телосложения и тренировки. Мы попробуем разобраться в том, что такое танец:
профессия, искусство, волшебство? Узнаем, как создаётся хореография и как
музыка рождает танец. Поговорим о том, кто участвует в создании танцевальной
постановки и как эту постановку можно записать. Заглянем на самые разные
спектакли, от романтической «Жизели» до энергичного «Болеро». Наши
герои и героини — балетмейстер Мариус Петипа и танцовщица Анна Павлова,
исполнительница индийского танца Баласарасвати и создательница танцтеатра
Пина Бауш — родились в разных уголках земного шара и в разное время, но их
всех объединяет страсть к сочинению и исполнению танца. Мы познакомимся
с андалусским фламенко, японским буто, с хип-хопом, завоевавшим весь мир.
Наконец, мы постараемся ответить на наш главный вопрос: зачем люди танцуют?
Что привлекало в танце древних людей, что привлекает в нём нас и наших
современников? И зачем танцуешь ты?
Некоторые слова в книге могут оказаться для тебя незнакомыми. В конце
ты найдёшь словарик, в котором они объясняются. Эта книга — не история танца.
Но в конце есть хроника — линия времени, на которой мы расположили главные
события из истории танца по порядку. Конечно, одного чтения для знакомства
с танцем недостаточно. Попробуй танцевать — и ты увлечёшься, а может, твой
танец понравится твоим друзьям и близким. Выбери стиль, который больше
подходит, познакомься с тем, кто им занимается и его преподаёт. Чтобы танцевать
профессионально, нужно учиться и совершенствовать свои движения годами,
но получать удовольствие от танца могут все.

Содержание
4

Что такое танец?

10

Есть ли у танца правила?

16

Кто придумал балет?

32

Танец — это искусство?

40

Танец — это волшебство?

30

Что может рассказать танец?

48

Какое тело нужно танцору?

56

Что чувствуют
и как думают танцовщики?

62

Важна ли для танца музыка?

68

Как меняется танец?

74

Хроника

76

Глоссарий

79

Об авторах

3

Что такое танец?
Эта книга — о танце. Но давайте сначала задумаемся, что же это такое.
Если вы попросите дать самое общее определение танца, то, скорее
всего, услышите, что танец — это движение человека, его перемещение
в пространстве, часто под музыку или в каком-то ритме. И сразу возникают
вопросы: какое движение? перемещение куда? Любая прогулка —
это перемещение. Танцуем ли мы, если идём по улице и слушаем музыку
в наушниках? Другой вопрос — о самом движении. Что, если это движение
не всего тела, а одного пальца? Попробуйте пошевелить пальцем,
всей рукой, подвигать плечом, повернуть голову. Будет ли это танцем?
Наверняка вы уже почувствовали, как сложно провести границу и сказать,
где кончается «просто движение» и начинается «танец».
Так что же такое танец? Можно сказать, что танец — это особое
состояние человека, но это мало что объясняет. Чтобы точнее определить
танец, надо понять, что именно люди делают, когда танцуют. Если вы
спросите об этом профессиональных танцовщиков или танцовщиц, то,
скорее всего, услышите, что они участвуют в спектакле или исполняют
номер. Да, танец может быть работой и профессией, и мы ещё об этом
поговорим. Однако танцевать могут все люди, а не только артисты балета.
Во время танца люди знакомятся: подумайте, сколько пар сложилось
на балах, а позже — на дискотеках. В танце люди выражают свои чувства,
радуются и горюют. В античном театре или в XVII веке, в эпоху барокко,
было принято «танцевать» самые разные чувства, от восторга до
гнева. И в современном танцевальном театре, например у знаменитой
танцовщицы и хореографа Пины Бауш (1940–2009), есть место
и серьёзным, трагическим темам, и весёлым, смешным сюжетам. «Меня
интересует не то, как человек двигается, а что им движет», — говорила
Пина Бауш. Как видите, в разные времена люди танцевали в похожих
ситуациях. Давайте начнём с самого начала.

4

Когда люди начали
танцевать?

Люди танцевали с глубокой древности. На самых ранних дошедших до нас
наскальных изображениях можно увидеть «пляшущих человечков». Ученые
считают, что это люди, совершающие какой-то обряд. Некоторые древние
ритуалы сохранились до наших дней, например ворожба или камлание
сибирского шамана-колдуна. Шаман поёт, ударяет в бубен и ритмично двигается,
часто описывая круг. Что шаман делает, когда танцует? Он общается с духами:
его душа поднимается на небо, в верхний мир, и спускается под землю, в нижний
мир. Хотя современный танцовщик не похож на шамана, во время танца он часто
испытывает особое чувство, вдохновение, словно при встрече с чем-то чудесным.
А ты не чувствовал, что, танцуя, ты как будто оказываешься в другом мире?

5

Как плясали древние?

У древних греков танцы тоже были своего рода обрядом.
Они посвящались богам и героям и, как и у нас, были частью
общественных празднеств.
Древнегреческая пляска — хорея — сочетала в себе
музыку, танец и пение. Группа людей — хор — двигалась
под ритмичный припев. Хористы отбивали такт ногой, поднимая
ногу на безударный слог, а на ударную, сильную долю — ударяя
ногой о землю. Один из ритмов, под которые исполнялась
пляска-хорея, и сейчас используется как стихотворный метр:
это «плясовой размер» — хорей (когда ударение падает
на первый слог, потом на третий, пятый и так далее, как в стихах
«Буря мглою небо кроет…»). Площадка в античном театре,
по которой ходил хор, называлась орхестра, а искусство хора —
орхестика (отсюда — современное слово «оркестр»). Слова
«хореография», «хореограф» тоже родом из Древней Греции,
и о них мы поговорим позже.
Из поэмы Гомера «Илиада», сочинённой в VII веке до нашей
эры, мы узнаём, что в старину пели и плясали одни и те же
люди. Но учащённое дыхание мешало петь, и со временем
плясунам стали подпевать их товарищи. И всё же античную
хорею называют «триединой», состоящей из стихов, музыки
и движения. Греческий философ сирийского происхождения
Лукиан посвятил пляске целый учёный труд. Он считал,
что в ней неразделимы движения и чувства, тело и душа.
Каждое движение пляски, утверждал Лукиан, преисполнено
мудрости, в ней нет ни одного бессмысленного шага.

6

В начале XX века знаменитая танцовщица Айседора Дункан (1877—1927),
открывшая свои школы в Германии, Франции и России, решила возродить
античный танец. Её иногда называют «бабушкой современного танца» за то,
что она первой начала искать в хореографии новые пути, отличающиеся
от классического балета. Дункан искала истоки танца в Греции, изучала
античные статуи и изображения в музеях всего мира. Её вдохновляла
Античность, мифы о нимфах и вакханках — прекрасных женщинах,
раскованно пляшущих в лесах и на лугах. Она любила говорить, что «училась
у Терпсихоры», музы — покровительницы танца. Но у Дункан был большой
профессиональный опыт: она играла в театре, занималась гимнастикой
и немного — балетным станком. Между прочим, ей было всего одиннадцать
лет, когда вместе с сестрой Элизабет она открыла свою первую школу танца
для соседских детей.

7

Сохранились ли
древние танцы?

Удивительно, но многие танцы, пришедшие из древности,
существуют и сейчас. Это народные танцы: они передаются
из поколения в поколение веками. Их часто танцуют
большие компании, собравшиеся на площади, целые
деревни или кварталы. Это объединяет людей, позволяет
им почувствовать, что они — одного рода и племени. У очень
многих народов мира существует хоровод: у юго-восточных
славян он называется хора или коло, у армян — кочари,
у каталонцев — сардана, у греков — сиртос (отсюда происходит
название танца сиртаки, хотя этот танец — не традиционный,
он был придуман позже). Хоровод не обязательно движется
по кругу, он может идти «змейкой» или «столбами»,
как на Русском Севере, «улиткой» или «лабиринтом»,
как в провансальской фарандоле. Важно, что участники
соприкасаются друг с другом — сплетают руки или только
мизинцы, танцуют плечом к плечу или хотя бы держатся
за один платочек. Это связывает их в одно целое, в одно
коллективное тело.

Андалусское фламенко

Фламенко — название не одного
танца, а целого музыкального стиля,
который принесли в Испанию цыгане.
На танцовщице — традиционное
платье до пола, украшенное оборками
и воланами, bata de cola: его юбкой
и большой цыганской шалью она искусно
манипулирует в танце. Фламенко тоже
похоже на поединок, но это не война,
а соревнование в искусстве исполнения.

Греческий сиртаки

Сирта́ки — вопреки распространённому
мнению, танец не народный, он был
создан хореографом для фильма
«Грек Зорба», снятого в 1964 году
по роману Никоса Казандзакиса.
Музыку к нему написал Микис
Теодоракис. Танец представляет собой
сочетание медленных и быстрых версий
хасапико — старинного танца мясников.
В финале фильма два главных героя
танцуют вместе, выражая единение
и счастливый конец.

Новозеландская хака

Слово хака на языке маори — местного
населения Новой Зеландии — означает
и «танец», и «песня, сопровождающая
танец». Хака — воинственный племенной
танец: его исполняют перед лицом
врага, чтобы устрашить противника
и подготовить соплеменников к схватке.

8

На Земле множество традиционных танцев — их создавали
не отдельные люди, а целые народы и на протяжении многих
лет. Танцы эти очень разные: одни рассказывают историю,
другие показывают, как должны себя вести и общаться между
собой женщины и мужчины. Люди танцуют на празднике,
свадьбе, при совершении ритуалов, — все эти события
прерывали монотонность традиционной, упорядоченной
жизни наших предков. И сейчас танец не даёт нам заскучать,
помогает радоваться и отмечать важные события вместе.
Вот ещё один ответ на вопрос, зачем люди танцуют.

Североиндийский катхак

Слово катхак можно перевести как
«история», «рассказ». Этот виртуозный
танец исполняется в храмах и дворцах
и рассказывает историю о боге Кришне
и других богах и героях.

Кавказская лезгинка

Лезгины — народ, живущий в горах
Дагестана. Движения танцовщика
подражают орлу: он падает на колени,
высоко подпрыгивает и танцует
на пальцах, почти как в балете.

Коло

Коло — хоровод южных славян.
Коло и значит «круг», «колесо».
Иногда круг размыкается, и тогда
в руке у ведущего появляется платочек.
Пляшущие держат друг друга за руки
или за талию. В каждой местности —
у влахов, боснийцев, черногорцев —
есть свой особый коло.

9

Есть ли у танца
правила?
То, что в английском и французском языках
называется одним словом dance (danse), в русском
обозначается двумя: «танец» и «пляска». Если вы
подумаете, в чём же между ними разница, то станет
ясно: пляска у нас ассоциируется с чем-то весёлым
и свободным, а танец — с чем-то организованным,
правильным.
Так и должно быть, ведь слово «танец» вошло
в русский язык, когда в России появились первые
балы, которые назывались «ассамблеями», то есть
«собраниями», — их устраивал для своих гостей
и придворных царь-реформатор Пётр I. Поэтому
пляски остались простолюдинам, а танцевали
люди богатые и знатные, во дворцах, и уже не так
свободно, как на лугу и в роще.

Может ли один и тот же человек
и танцевать, и плясать? Конечно — ведь
даже обучившись изящным бальным
танцам, мы не забываем о простых
и весёлых плясках, которые видим
с детства. В романе Льва Толстого «Война
и мир» Наташа Ростова, знатная барышня,
неожиданно для всех и для себя самой
пляшет «русскую» под дядюшкину гитару
при полном одобрении наблюдающих
за ней крестьян.

10

Императрица Анна Иоанновна, племянница Петра I, пригласила
в Петербург танцовщика и балетмейстера Жан-Батиста Ланде.
В то время балетмейстером называли не сочинителя балетов,
а руководителя бала. Ланде приехал в Россию, стал учить танцу
придворных и организовывать балы. Cо своими учениками
из кадетского корпуса он ставил танцевальные спектакли,
а в 1737 году предложил открыть балетную школу для подготовки
профессиональных танцовщиков. Туда набрали двенадцать
крестьянских детей, девочек и мальчиков. Из этой школы выросло
хореографическое училище в Петербурге, которое сейчас называется
Академией русского балета имени Агриппины Яковлевны Вагановой.
Педагогическая система Вагановой известна во всём мире, а началось
всё с маленькой школы балетмейстера Ланде.

11

Как вести себя
на балу?

На великосветском балу нужно соблюдать строгие правила —
бальный этикет: быть в красивой одежде и обуви, подходящей
для танца, обязательно надевать перчатки, чтобы не запачкать
платье партнёра (на балах бывало очень жарко от свечей
и толпы, и ладони могли покрыться потом). Держаться гордо:
не сутулиться, не «вешать» голову, следить за тем, чтобы
спина всегда оставалась прямой. Ноги держать выворотно:
пятки вместе, носки в стороны. Нужно знать, кто кого может
пригласить на танец, сколько танцев разрешается танцевать
с одним партнёром и какова последовательность танцев.

Гавот — французский
танец с небольшими
прыжками и точной работой
ног; партнёры в гавоте
обменивались поцелуями
или цветами.

Аллеманда (по-французски —
«немецкая»); в этом бодром танце
пара держится за руки и делает много
вращений и поворотов.

12

Менуэт назвали
так по маленьким шагам,
па меню; а ещё в нем было
много поклонов и реверансов.

А ещё нужно знать, какие в танце делать шаги, как подать
руку партнёру, как двигаться вместе. В бальных танцах много
симметрии: пройдя несколько шагов вперёд, танцующие отходят
назад, а затем, сделав несколько шагов влево, идут вправо.
Во времена Золушки (или Шарля Перро, рассказавшего
о ней сказку) бал мог открываться церемонным менуэтом —
его ещё называли «танцем королей» и «королём танцев».
За менуэтом следовали менее чинные и более весёлые танцы
с прыжками и кружениями — аллеманда, гавот. А во времена
Наташи Ростовой (то есть в начале XIX века) в моду вошёл
и наделал много шума вальс — первый бальный танец,
в котором партнёры всё время держат друг друга в объятиях.
Быстрые, темпераментные движения, «бальные вольности»,
кутерьма и теснота при разъезде гостей… Наутро в зале
находили много потерянных вещей — вееров, записных
книжечек, мелких деталей туалета. Вот и Золушка в спешке
потеряла свою туфельку.

Вальс построен на вращениях: пара
делает полный оборот в два такта с тремя
шагами в каждом.

13

Постановка:
«Спящая красавица»

Злоключения принцессы Авроры из балета «Спящая
красавица» (и ещё одной сказки Шарля Перро, по которой
написано либретто) начались с самого её рождения.
А всё потому, что фею Карабос забыли пригласить на праздник
по случаю рождения принцессы, устроенный её отцом,
королём Флорестаном. Злая фея рассердилась и произнесла
пророчество о том, что принцесса, взяв в руки веретено,
уколется и заснёт вечным сном. В «Спящей красавице» танцуют
на музыку полонеза, мазурки, фарандолы, в прологе звучат
мелодии вальса, медленной польки, галопа, тарантеллы…
Представьте, что всего этого Карабос оказалась лишена;
неудивительно, что она так рассердилась!

14

Этот балет, как и без малого сотню других, поставил француз
Мариус Петипа (1818–1910). В России Мариус Иванович проработал
больше шестидесяти лет, здесь создавались его лучшие спектакли, в том
числе «Лебединое озеро» (поставленное совместно с балетмейстером
Львом Ивановым), «Спящая красавица» и «Щелкунчик», без которого
невозможно представить Новый год. Популярность этим постановкам
принесла и замечательная музыка Петра Ильича Чайковского. Эпоху
Петипа считают золотым веком русского балета, а «Спящую красавицу» — «энциклопедией классического танца». Петипа включил в неё
почти все известные тогда элементы и гармонично соединил их в ясное,
стройное представление. Чайковский сочинил прекрасную музыку,
придумав для некоторых персонажей — например, для феи Сирени —
свои мелодии, или лейтмотивы. По замыслу Петипа, балет заканчивается
появлением фигуры в костюме «короля-солнца» — том самом, в котором
танцевал когда-то на балу Людовик XIV. О нём — в следующей главе.

15

Кто
придумал балет?
При слове «балет» мы обычно представляем танцовщиц в коротких юбочках — пачках,
стоящих на кончиках пальцев, или на «пуантах». Однако в самых первых балетах
танцевали мужчины (они могли исполнять и женские партии), одетые в нарядные
и пышные костюмы. Но требования к этим танцовщикам предъявлялись те же, что
и к нынешним балеринам: прямая спина, горделивая осанка, грациозные движения.
Давайте поговорим о том, кто придумал балет, и начнём с самого этого слова.
В XVI и XVII веках бал при дворе итальянских князей и французских
королей мог начинаться или заканчиваться небольшим спектаклем,
или «балетом» (от итальянского balletto, «маленький танец»).
В нем принимали участие сами августейшие особы и придворные.
Особенно блистал на балах Людовик XIV (1638–1715) — его ещё
называли «король-солнце», и вот почему. Когда Людовику было
всего четырнадцать лет, он исполнил роль бога солнца Аполлона
в «Королевском балете ночи». Этот балет маленьким уже не назовёшь:
грандиозный спектакль с музыкой, пением и танцами длился всю
ночь, с вечера и до рассвета. Придворным в балете достались роли
мифологических персонажей: кому-то — богини Венеры или Дианы,
кому-то — ведьмы, демона и даже волка-оборотня, беовульфа. В балете
участвовали «цыгане», «воры», «нищие»… Одетый в золотой костюм,
в короне с расходящимися лучами, Людовик блистал среди всех них,
появляясь в конце балета как восходящее солнце.

16

Первые балеты исполнялись в бальных залах, и танцевали в них
не профессиональные артисты, а сами участники празднества. Чтобы
развить ловкость и грациозность исполнителей, король приказал открыть
школу танца. В 1661 году при Оперном театре в Париже была основана
Королевская академия танца, в которой готовили первых танцовщиковпрофессионалов. Балетные спектакли переселились из дворцовых залов
на сцены театров, где их могла увидеть самая широкая публика.

17

Что такое
балетный экзерсис?

Балет — танец королей, и потому он требует
грациозных движений и горделивой осанки.
Чтобы подготовить своих учеников к триумфам
на балах, преподаватели танца — танцмейстеры —
разработали специальные упражнения. Нужно было
укрепить мышцы ног и спины, придать рукам мягкость
и округлость, а ногам — выворотность, чтобы
они поднимались выше и не только вперёд, но и назад
и в стороны. В Королевской академии танца такие
упражнения сложились в особый метод обучения —
его стали называть «экзерсис» (что по-французски
и значит «упражнение», «тренировка»).

18

Одна из главных целей экзерсиса — освоить принятые в балете
позиции ног и рук. В первой позиции стопы образуют прямую линию:
пятки сведены вместе — «целуются», а носки смотрят врозь; во второй
позиции стопы также находятся на прямой линии, но на расстоянии
друг от друга; в третьей одна нога стоит впереди, её пятка —
посередине другой стопы; в четвертой позиции стопы ещё дальше
друг от дружки; в пятой одна стопа впереди другой, а её пятка
касается основания большого пальца другой стопы. Каждой позиции
ног соответствует своя позиция рук — по-французски port-de-bras
(произносится «пор-де-бра»). Например, в первой позиции нужно
округлить локти и свести кисти рук внизу, на животе, или прямо
перед собой, как будто «держишь дыньку» и по руке от локтя стекает
капелька воды.
В Королевской академии танца возникли названия многих
движений и поз, из которых состоит техника классического балета.
Движения ног называются па (по-французски — шаги): па-де-бурре —
мелкий плавный шаг; глиссад — приставной скользящий шаг.
А «па-де-де» — это буквально «шаги двоих», дуэт. Есть разные прыжки:
антраша — вертикальный прыжок из пятой позиции; ассамбле — когда
танцовщик подпрыгивает на одной ноге, отводя другую в сторону,
вперёд или назад; гран-жете — полётный прыжок, высокий и широкий.
Есть стойки на одной ноге — аттитюд и арабеск, напоминающий
гимнастическую «ласточку». Наконец, есть вращения: пируэт на одной
ноге (другая отставлена в сторону или назад) и фуэте, когда свободная
нога подбивает опорную, подкручивает корпус, как будто взбивая
сливки (fouetter по-французски и значит «взбивать»).

19

Зачем балерины
встали на пуанты?
В балете ценят виртуозность, лёгкость и воздушность: Пушкин
с восхищением писал о знаменитой балерине Авдотье Истоминой, что
она «летит, как пух от уст Эола» (Эол — повелитель ветров в греческой
мифологии). Для этих качеств придумали специальные слова: маленькое
приседание перед прыжком назвали плие, высоту прыжка — элевацией,
а способность «зависать в воздухе», парить как птица — баллоном.
Чтобы казаться ещё легче и невесомее, балерины стали подниматься
на кончики пальцев ног — вставать на «пуанты» (по-французски pointe
означает «остриё», «кончик»). Сейчас «пуантами» называют балетную
обувь (на балетном сленге иногда говорят «коски́», от названия
ортопедической стельки, подкладываемой под пятку, — косо́к).
Первой танцевальной обувью служили обычные бальные туфли
изящной формы, с каблуком или без каблука. Такие «лодочки»
на плоской подошве называют «балетками». Их шили из шёлковой
материи — атласа, а носок слегка укрепляли, подшивая туда
суровую ткань и простёгивая её. Стоять долго на носках в таких
туфельках невозможно, и первые танцовщицы на пуантах
разработали особую технику. Они медленно поднимались
на пальцы и так же медленно опускали пятку на пол, а на кончиках
пальцев стояли относительно недолго. В современных балетных
пуантах носок, или «коробочку», делают жёстким — из мешковины,
смешанной с клеем, или из пластика. Подошва делается из кожи,
чтобы лучше поддерживать стопу. Такая конструкция позволяет
дольше стоять на кончиках пальцев. Подниматься на жёсткие
пуанты приходится одним движением, «вскакивая» на них.
Танцевать в жёстких пуантах, может быть, и удобнее, но нога в них
страдает не меньше и с годами деформируется. И тем не менее
балерины не отказываются от пуантов — ведь это знак
виртуозности, символ балета.
Одной из первых на пуантах стала танцевать Мария Тальони
(1804–1884). Она имела хрупкое телосложение, но её отец
Филипп Тальони, танцовщик и балетмейстер, тренировал
дочь каждый день по многу часов. В 1832 году он поставил
для Марии балет «Сильфида» по фантастической новелле
Шарля Нодье «Трильби». Сильфида — дух воздуха, неземное
существо. За спиной у Марии были маленькие крылышки,
и она носилась по сцене на самых кончиках пальцев —
«летала». Невесомая, неземная Тальони сделалась символом
романтического балета. В веночке из цветов и белом
воздушном платье с крылышками она пересекала сцену,
едва её касаясь, будто сила тяжести на неё не действует.
Глядя на прекрасный «призрак», зрители не догадывались,
что Сильфида проводит долгие часы у балетного станка,
а под тонким трико, обтягивающим её ноги, скрываются
железные мускулы.

20

Почему пачка белая?
По правде сказать, балетная пачка не всегда бывает белой: вспомним,
например, чёрную пачку Одиллии — злой волшебницы из «Лебединого
озера» — или разноцветные пачки Феи Драже в «Щелкунчике» и Феи
Сирени в «Спящей красавице». Но самые первые пачки действительно
были белыми. Они появились в романтических балетах «Сильфида»
и «Жизель», в которых рассказывается о волшебных персонажах —
сильфах и вилисах. Эти неземные, сверхъестественные существа, как
положено духам и привидениям, облачены в белые полупрозрачные
покровы. Поэтому танцовщиц тоже одевали в белые корсажи и юбки,
сшитые из нескольких слоев тонкого шёлка или тюля. Потом пачки стали
укорачиваться и утолщаться: в них появилось больше слоёв. Ещё позже
они сделались совсем коротенькими и почти горизонтальными —
превратились в «тарелочки». Шьётся пачка всегда вручную —
собирается, как пирамидка, из круглых «слоёв»; в нижний вставляется
обруч, а верхний украшается блёстками и вышивкой.

21

Постановка: «Жизель»

22

У этого балета простой и трогательный сюжет: крестьянка Жизель
любит знатного Альберта, но тот её обманывает. Девушка умирает
от горя и становится вилисой — мстительным духом, который
заманивает и губит путников. Во втором акте, действие которого
происходит после смерти Жизели, она появляется на сцене вместе
с подругами-вилисами и их грозной предводительницей; все они —
под белыми покрывалами, подобно невестам или привидениям.
Вилисы угрожают Альберту, но Жизель прощает и спасает его.
Сказка о любви, предательстве и спасении через жертву не могла
не стать популярной. Балет «Жизель, или Вилисы» Жана Коралли
и Жюля Перро впервые вышел на сцену в 1841 году и быстро стал
классическим. Но и много лет спустя балетмейстеры продолжают
создавать свои версии сказочного сюжета. Уже в нашем веке «Жизель»
поставил хореограф из Англии Акрам Хан: в балете вилисы вооружены
длинными палками, которыми, как копьями, угрожают Альберту.
В «Креольской Жизели» (1984) Фредерика Франклина Жизель смуглая,
в её венах смешана европейская и африканская кровь. А в «Жизели»
(1982) шведа Матса Эка героиня — современная девушка в беретике.
Нынешние трактовки балета подчёркивают, насколько неравными
были отношения мужчины и женщины, от которой часто требовалось
приносить себя в жертву.

23

Танец —
это искусство?
Танцевать могут все — и ты, и твои друзья, и твои родители. Но всегда ли
танец — искусство, подобное музыке, опере, театру? Да, если его создал
настоящий художник танца, профессионал своего дела. Автора танца обычно
называют хореографом.

Знакомьтесь: хореограф

Хореограф не создаёт танец в одиночку, ему нужны соавторы — танцовщикиисполнители. Композитору, чтобы написать симфонию, музыканты
не требуются: он записывает своё сочинение нотами на бумаге. А хореографу
трудно обойтись без исполнителей. Конечно, он опирается на собственный
опыт танца: многие хореографы, такие как Вацлав Нижинский или Мэри
Вигман, были признанными танцовщиками и часто сами выступали в своих
постановках. И всё же хореографы почти всегда обращаются к исполнителям,
чтобы проверить свои идеи, и получают от них ценные рекомендации. А ещё
они делают наброски на бумаге — рисуют движения солиста и расстановку
кордебалета: так поступал уже знакомый нам Мариус Петипа. А его коллега,
балетмейстер Александр Ширяев, делал из проволочного каркаса и папье-маше
кукол-танцовщиков, придавал им нужное положение и так сочинял свои танцы.

24

25

Как сочиняют танец?
Заглянем в репетиционный зал, где создаётся танец. Нетрудно заметить, что
работа хореографа похожа на творчество поэта и композитора. Как правило,
хореограф никогда не начинает с нуля: у него уже есть заготовки, свой
собственный словарь поз, шагов и движений. Словарь классического балета
ты уже знаешь: в него входят упражнения экзерсиса — плие, антраша и другие.
Как поэт слагает стихи из слов, хореограф строит из отдельных движений
танцевальную фразу, или связку. Представляешь, как в пении, глубоко вдохнув,
мы пропеваем на одном выдохе несколько нот? Так вот, танцевальная
фраза — это серия движений, объединённых одним физическим импульсом —
выплеском энергии, с чётким началом и концом. Чтобы зритель воспринимал
фразу как единое целое, движения должны плавно переходить одно в другое
и укладываться в ритмический рисунок (например, фраза в вальсе состоит
из трёх ритмически организованных шагов с ударением на первый: «раз-дватри, раз-два-три, раз-два-три»).
Затем хореограф выстраивает танцевальные фразы
в композицию. Часто композицию танца определяет музыка.
Айседора Дункан, придумывая танцы, сначала долго стояла
неподвижно, прислушиваясь к музыке, которую играла
для неё мама-пианистка, а позже концертмейстер. Она ждала,
когда музыка даст импульс для движений (мы поговорим
подробнее о том, как музыка помогает создавать танец,
в следующей главе). И Айседора, и другие танцовщики
много импровизировали без зрителей, и постепенно из этих
импровизаций складывался танец. Некоторые хореографы
начинают с чтения партитуры, то есть нотной записи музыки,
анализируя, сколько она длится, как в ней чередуются
быстрые и медленные части, как развивается музыкальная
тема. Так сочинял балеты Джордж Баланчин (1904–1983),
взявший себе этот псевдоним после переезда в Америку
(он родился и вырос в Российской империи, и его звали
Георгий Баланчивадзе). Именно Баланчин одним из первых
стал называть сочинителя танцев хореографом. До начала
ХХ века говорили «балетмейстер», «постановщик» или даже
«композитор танцев».

Однажды Петипа включил в программу
хореографию, сочинённую его коллегой, Жюлем
Перро, не спросив у того разрешения. Перро начал
судебный процесс и выиграл. С тех пор хореографы
могут оформить авторское право на свои
произведения, как писатель — на рукопись книги,
а живописец — на свои картины. Это ещё одно
свидетельство того, что танец стал признанным
видом искусства.

26

27

Постановка:
«Аполлон Мусагет»

28

Этот балет Баланчин сочинил на музыку Игоря Стравинского.
В нём всего четыре персонажа, зато каких! Бог Аполлон
(эпитет «Мусагет» означает «предводитель муз») и три
музы, имеющие непосредственное отношение к балету:
Терпсихора — покровительница танца, Каллиопа — муза
поэзии и ритма, Полигимния — муза искусства пантомимы.
Они рассказывают о рождении Аполлона, его обучении
и восхождении на гору поэтов — Парнас. Явившись на
свет, Аполлон дарует музам их атрибуты: Терпсихоре —
лиру, Полигимнии — маску, Каллиопе — восковую дощечку
для письма. Баланчин очень внимательно слушал музыку
Стравинского, а вот набор движений классического балета
он немного изменил.

Считается, что «Аполлон Мусагет», созданный в 1928 году для труппы
Сергея Дягилева «Русский балет», положил начало стилю «неоклассика».
И хотя мы с удовольствием смотрим классические балеты, современные
хореографы сочиняют в другом стиле. Например, Иржи Килиана (род. 1947),
как и Баланчина, называют одним из самых музыкальных хореографов.
Но музыка и классическое движение соединяются в балетах Килиана поособенному, он словно придумывает и развивает собственный язык танца.
Во многих его постановках не используются пуанты, поэтому артисты движутся
более плавно и мягко, совершенно по-другому чувствуют себя в пространстве.
Килиан рассказывает историю — или даже шутит, как в спектакле «Шесть
танцев» на музыку Моцарта, — с помощью множества метафор и аллегорий.
За это его называют хореографом-философом.
Еще один наш современник, Уильям Форсайт (род. 1949), сочиняет
невероятно современные спектакли, но тоже не забывает язык
классического танца и продолжает с ним экспериментировать.
В его постановках артисты исполняют классические движения,
но как будто в другом измерении и с бешеной скоростью. Так,
в знаменитом спектакле «Там, где висят золотые вишни» («In the
Middle Somеwhat Elevated») люди-машины двигаются вопреки
всем законам гравитации. Ещё Форсайт изобрёл свою технику
импровизации в танце и создал компьютерную программу
«Технологии импровизации», которая используется во многих
танцевальных компаниях и балетных училищах.

29

Можно ли записать танец?
Мы выяснили, что танец — это искусство.
Но искусство особое: как музыка или пение,
он живёт только в момент исполнения. Чтобы
танец сохранялся, он должен войти в традицию:
тогда он будет передаваться от учителя
к ученику или, как ещё говорят, «из ног в ноги».
Так передаётся от поколения к поколению народная
пляска. Но традиция может прерваться, и тогда
танец забудется и исчезнет. Вот почему важно
придумать, как его сохранить, зафиксировать.
Музыку записывают нотами на нотном стане,
разлинованных листках. А существуют ли ноты
для записи танца?

30

В XVI веке француз Туано Арбо (1520–1595)
написал книгу под названием «Орхезография»,
то есть «Описание искусства танца». Инструкции,
как исполнять бальные танцы, даны в этой
книге вместе с нотной записью музыкального
аккомпанемента.
В эпоху Возрождения существовали простые
значки для обозначения шагов: для шагов бра́нля
(это один из самых ранних записанных танцев)
писали букву «Б», для поклона, или реверанса, — «Р».
Это всех устраивало, так как танцы были простыми
и всем известными. Но танцмейстеры стали
усложнять последовательность шагов и форму
композиции. В 1700 году француз Рауль-Оже Фёйе
издал книгу «Хореография, или Искусство описывать
танец». В ней описывались позиции ног, сочетания
шагов, а также траектории — линии, по которым
перемещались танцовщики. Фёйе не смог записать
движения верхней части тела танцующего, зато
благодаря его книге в языке укоренилось слово
«хореография».

Иногда балетмейстеры рисовали «пляшущих человечков», схематично
изображая человеческую фигуру в виде палочки с ручками и ножками.
В конце XIX века артист балета Мариинского театра Владимир Степанов
предложил «Алфавит движений человеческого тела», в котором
разобрал «пляшущих человечков» на отдельные части. С помощью
его системы были записаны некоторые балеты, и позднее это позволило
их реконструировать. Значками, которые придумал Степанов, можно было
с лёгкостью записать балетные па, но не другие движения тела. Наконец,
в XX веке Джоан и Рудольф Бенеш предложили записывать танец
на нотном стане, как музыку: положение головы — на первой, верхней,
линейке; плеч — на второй; талии — на третьей; коленей — на четвёртой;
стоп — на пятой. Нотация Бенешей наиболее употребительна, и если ты
встретишь танцнотатора (хотя таких специалистов очень мало), то почти
наверняка он будет пользоваться этой системой.
впереди
макушка
голова
плечи

талия
уровень
колени

линия пола

сзади
направление

Балетмейстер Александр Ширяев (1867–1941) детально
и последовательно зарисовывал движения танцовщиков,
чтобы запомнить хореографию. Однажды он соединил рисунки
на ленте, надел на барабан и прокрутил со скоростью 24 кадра
в секунду: получился рисованный мультфильм! То же самое
Ширяев проделывал со своими куклами-танцовщиками: так
появились самые первые анимационные фильмы, благодаря
которым сохранились образцы старой хореографии —
например, танец Паяца из балета «Щелкунчик».
В современном мире есть видеосъёмка, и даже
ты можешь записать танец на телефон. Но и видео
не передаёт всех подробностей танца. Причина,
наверное, в том, что танец — не только искусство,
но ещё и немножко волшебство.

31

Танец —
это волшебство?
Когда в зале гаснет свет и открывается занавес, мы испытываем волнение,
ожидая чего-то чудесного. В театре действительно работают волшебники:
с хореографом мы уже познакомились в предыдущей главе, а сейчас
поговорим об исполнителях и их способности перевоплощаться в разные
образы (например, в лебедя). Познакомимся с другими волшебниками сцены —
сценографом и художником по костюмам. Наконец, раскроем ещё один секрет:
оказывается, зритель тоже является соавтором спектакля — ведь не зря
говорят, что волшебство — в глазах смотрящего.

32

Женщина или лебедь?

Вы, наверное, видели номер «Лебедь» — его ещё называют «Умирающий
лебедь»? Этот номер на музыку Сен-Санса хореограф Михаил Фокин
(1880–1942) поставил для гениальной танцовщицы Анны Павловой
(1881–1931). Когда на сцену выходит маленькими шажками на пуантах —
словно бы выплывает — балерина в белой пачке, происходит
волшебство: зрителям кажется, что перед ними не женщина, а лебедь.
В этом номере Фокин решил повторить то, что делала Айседора Дункан,
которой он восхищался. Но Дункан танцевала босиком, и это придавало
мягкость её шагу, гибкость и подвижность — её корпусу, шее и рукам.
На пуантах сделать то же самое почти невозможно. И всё же Павловой —
благодаря её таланту и исключительным способностям — это удалось.
Короткий номер, длящийся всего около трёх минут, стал балетным
шедевром, который балерины исполняют вот уже более ста лет.

Однажды «Умирающего лебедя» или другой балет на «лебединую»
тему посмотрели философ Грегори Бейтсон и его любознательная
дочь. Вернувшись из театра домой, они задумались, кто же на самом
деле танцовщица на сцене — женщина или лебедь? Остаётся ли она
лишь как будто лебедем или действительно им становится? Об этом
споре Бейтсон рассказывает в статье «Что ещё за лебедь?». В конце
концов папа и дочка сошлись на том, что танцевальный спектакль —
это маленькое чудо, в котором танцовщица на глазах у зрителя
превращается в лебедя. И другой случай: увидев «Лебедя» Анны
Павловой, тринадцатилетний Фредди Аштон навсегда влюбился в балет.
Уже будучи знаменитым балетмейстером, он сказал: «Павлова и есть
лебедь». Если уж так считают философ Бейтсон и балетмейстер Аштон,
то мы тем более доверяемся волшебству танцевального спектакля.
В театре мир преображается, и танцовщица вполне может превратиться
в лебедя на то время, пока звучит музыка и длится танец. И, конечно,
пока зритель согласен верить в чудо.
Балет «Лебединое озеро» на музыку Петра Ильича Чайковского,
поставленный Мариусом Петипа и Львом Ивановым в 1895 году
на сцене Мариинского театра, — один из самых знаменитых
и исполняемых. Он известен во множестве постановок, в том числе
экстравагантных. Англичанин Мэтью Боурн сделал Лебедя мужской
партией, а швед Александр Экман превратил сцену в пруд, где
танцовщики купаются и поливают друг друга настоящей водой.
Все они так или иначе играют с первоначальным образом Лебедя,
кто-то более серьёзно, кто-то — шутливо и иронически. Возникает
ли чудо иллюзии в этом случае? Что видит зритель — Лебедя или
что-то другое? Попробуй ответить на этот вопрос, когда будешь
смотреть «Лебединое озеро».

33

Постановка:
«Щелкунчик»

34

Превратить сцену в озеро или дворцовый зал, а танцовщиков — в лебедей
или придворных может решить не только хореограф-постановщик,
но и художник — автор декораций и костюмов. В театре художника ещё называют
сценографом. Постановки одного и того же балета в разной сценографии
могут быть совершенно непохожими. Например, балет «Щелкунчик» за сто
с лишним лет ставили множество раз и очень по-разному (особенно известны
постановки Юрия Григоровича и Василия Вайнонена), но постановка художникаавангардиста Михаила Шемякина и хореографа Кирилла Симонова в Мариинском
театре получилась совсем особенной. Обычно действие первого акта проходит
в бальном зале, где должен состояться праздник и уже стоит рождественская
ёлка. Шемякин перенёс действие на кухню, где полным ходом идёт подготовка
к празднику: суетятся повара и кухарки, а озорные мышата предвкушают
пиршество. Над сценой возвышаются огромная свиная голова и гигантские
головки сыра. На верхушке праздничного торта стоят сахарные фигурки
Маши и Щелкунчика, как будто предвосхищая второй акт, в котором главные
герои улетят в королевство Конфетенбург в зеленом башмаке…

35

Какой костюм
нужен для танца?
В древности танец был частью обряда, в котором люди могли перевоплощаться
в духов и животных, носить маски, украшать себя шкурами и перьями
(на карибском карнавале это происходит по сей день). Но нужен ли сейчас
особый костюм для танца? На балах и на дискотеках люди одеты нарядно,
но их костюм не создан специально для танца.
В придворных балетах XVII века и мужчины, и женщины танцевали
на высоких каблуках, носили парики и драгоценности. Мужчины часто
надевали «римский» костюм с юбочкой из плотной ткани. Дамы были одеты
в платья как у придворных, с широкой юбкой и длинным шлейфом. Двигаться
в таком наряде неудобно, он был предназначен не для танца, а для того, чтобы
продемонстрировать высокое положение человека в обществе. У костюма
для танца особое назначение — предоставить танцовщику свободу движений
и в то же время подчеркнуть их, усилить зрительный эффект. Типичный пример —
балетная пачка: многослойная юбка, сшитая из тонкой полупрозрачной ткани,
усиливает впечатление лёгкости, воздушности и, следуя за движением, как будто
его продолжает. Про пачку и пуанты, ставшие «униформой» балета в XIX веке,
мы узнали в третьей главе. А каким ещё может быть костюм для танца?

36

Туника

В древности люди носили одежду простого кроя без швов — хитон
и тунику. Подражая античности, Айседора Дункан танцевала в таком
костюме. По сравнению со своими современницами, тело которых
было заковано в корсет, в тунике или хитоне она чувствовала себя
максимально свободно. В короткой тунике удобно делать атлетические
упражнения, и в балетных училищах экзерсисом тоже занимались
в туниках. Так продолжалось до тех пор, пока в моду не вошёл
гимнастический купальник.

Гимнастический
купальник

Первый гимнастический купальник назывался леотар — по имени
акробата середины XIX века Жюля Леотара. Он выступал в цельном
костюме, закрывающем тело от плеч до паха. Сейчас леотар известен
как «закрытый купальник»: он сталуниформой гимнастов, артистов
балета, фигуристов и атлетов. Купальник подчёркивает красивые линии
стройного или атлетического тела. Одним из первых одел исполнителей
в купальники Баланчин в своих минималистичных «чёрно-белых»
балетах «Аполлон Мусагет» и «Четыре темперамента».

Костюм
для современного
танца
По сравнению с балетом современный танец
более демократичен. Одежда для занятий
и костюм для сцены почти не различаются:
и у женщин и у мужчин это чаще всего
свободная футболка и брюки-трико или
легинсы. Это лишний раз подчёркивает,
что в любом танце главное — мастерство
и свобода движений.

37

Фантастический костюм

Можно сделать так, чтобы костюм тоже двигался, стал частью танца.
Например, надеть широкую юбку и шаль и размахивать ими, как
во фламенко. В бурлеске — эстрадном танце — существовал «танец
с юбкой», которой искусно орудовала танцовщица. В конце XIX века
Лои Фуллер увеличила юбку до размеров огромного покрывала,
сшитого из парашютного шёлка, и стала управлять им во время танца
с помощью двух бамбуковых палочек. Легчайшая ткань обвивалась
вокруг её фигуры, как облако, и принимала самые фантастические
формы, которые к тому же окрашивались в разные цвета с помощью
софитов. Танцы Лои Фуллер назывались «Серпантин», «Орхидея»,
«Бабочка».

38

39

Что может
рассказать танец?
Попробуем ещё раз ответить на вопрос, зачем люди танцуют.
Несколько ответов у нас уже есть: пляска наполняет человека
энергией, люди знакомятся во время танца, а хореографы
создают удивительные спектакли без слов, но с музыкой
и движениями. И, конечно, люди танцуют, чтобы выразить
чувства и идеи на особом языке, о котором мы поговорим
в этой главе. Иногда танец позволяет рассказать целую
историю или сказку. Вот и ещё один ответ: люди танцуют,
чтобы рассказать историю без слов. В этой главе мы узнаем,
как это делается и какую роль играют в этом либреттист
и антрепренёр.

40

Как танец расска­­зывает историю?

Чтобы станцевать сказку, её нужно особым образом изложить.
Недостаточно просто пересказать сюжет, то есть происходящие
с героями события. Сказку о Золушке можно рассказать
в нескольких фразах, но это ещё не основа для балета. Прежде
чем композитор сочинит музыку к сказке, а хореограф поставит
танцы, сюжет нужно разбить на отдельные сцены и подробно
описать, что происходит в каждой сцене и кто в ней участвует.
Это поможет и зрителям разобраться в том, что они увидят. Такое
изложение называется либретто — по-итальянски «книжечка»,
иногда, впрочем, довольно длинная, до сорока страниц.

Знакомьтесь: либреттист

Человеком, разложившим на сцены «Золушку», чтобы её могли станцевать в театре,
был либреттист Николай Волков (1894–1965). Замечательную музыку к балету
написал по его либретто композитор Сергей Прокофьев.
В либретто сказка о Золушке разложена на три акта, или действия; каждый
акт — на сцены. Сцены могут представлять участников — Золушку, Фею, Мачеху —
или быть эпизодами рассказа — «Урок танца», «Отъезд мачехи и сестер на бал»,
«Мечты Золушки о бале». Но есть и сцены, названные по танцам: например, «Па-дешаль» (танец с шалью) в первом акте, «Гавот» или даже «Кузнечики и стрекозы».
Либретто — не просто рассказ о событиях, а целый план действий
для композитора и хореографа.
Танцевальный спектакль с драматическим сюжетом, поставленный
по литературному произведению — повести, поэме или роману, — иногда называют
«балетом-драмой» или «хореодрамой». Николай Волков адаптировал для балета
поэмы Пушкина «Бахчисарайский фонтан», «Кавказский пленник», повесть
«Барышня-крестьянка». А ещё он написал либретто для балета «Спартак» о борьбе
гордого и храброго фракийца Спартака против поработителей-римлян. В этой работе
использованы свидетельства античных авторов, труды историков и популярный
роман «Спартак» итальянца Рафаэлло Джованьоли. Либретто всем пришлось
по вкусу: композитор Арам Хачатурян написал к нему прекрасную музыку, которая
послужила основой для спектаклей многих балетмейстеров. В 1956 году «Спартака»
поставил Леонид Якобсон, и этот спекталь можно и сейчас увидеть в театре
его имени в Санкт-Петербурге. А в Москве с 1968 года на сцене Большого театра
идёт «Спартак» Юрия Григоровича.

41

Постановка: «Спартак»
Юрия Григоровича

42

Предводителя фракийцев Спартака захватывает в плен и обращает
в рабство римский военачальник Красс. Спартак поднимает восстание
рабов-гладиаторов, одерживает победу и прогоняет Красса.
Но тот возвращается, и Спартак с товарищами гибнут в неравном
бою с легионерами. «Спартак» привлёк хореографов и зрителей
не только своей героической историей. Если в классических балетах
центральная роль часто отводилась балерине, а партнёру оставалось
её поддерживать, то здесь центральными являются мужские партии
и дуэты, а танец — виртуозный и атлетичный.

43

Кто организует
танцевальный спектакль?
Если танцевальный спектакль начинается с либретто, кто его
заказывает? Кто предлагает композитору написать музыку,
а художнику — придумать костюмы и декорации? Как правило,
в роли заказчика выступает театр, танцевальная компания
или индивидуальный предприниматель — организатор
развлекательного зрелища. Во Франции такого человека называют
антрепренёром, в Италии — импресарио, в США — продюсером.
Сейчас всё чаще говорят о кураторе современного танца. Слово
«курировать» означает «заботиться», «присматривать за кем-то»,
«отвечать за что-то». Всё это очень нужно танцу.

44

Знакомьтесь: антрепренёр

Один из самых известных антрепренёров — Сергей Павлович Дягилев (1872–1929).
Он создал Русские сезоны — серию оперных и балетных спектаклей, показан­ных в
1908–1914 годах в Париже, и труппу «Русский балет». Дягилев решил рассказывать
зарубежным зрителям русские сказки про Ивана-царевича и Жар-птицу,
про Подводное царство и Шута, семерых шутов перешутившего. В этих балетах
танцевал Призрак Розы, оживали ярмарочные марионетки, а милого грустного
Петрушку побеждал грубоватый Арлекин. Шехеразада вела свое сказание
на языке танца, и вся «Тысяча и одна ночь» укладывалась в спектакль, длящийся
каких-то полчаса. Дягилев был настоящим волшебником. Он сам придумывал
сюжеты для балетов и писал либретто, выискивал талантливых композиторов
и хореографов, приглашал лучших танцовщиков и музыкантов. У него танцевали
балерины Анна Павлова и Матильда Кшесинская, Тамара Карсавина и Ольга
Спесивцева. Он вырастил целую плеяду хореографов, которые, как Леонид Мясин
и Серж Лифарь, сначала участвовали в спектаклях как исполнители, а потом
сами ставили балеты. Его художники не только создавали красивые причудливые
костюмы, но и становились законодателями мод. Так, увидев костюмы Льва Бакста
к балетам «Шехеразада» и «Жар-птица», парижские модницы облачились
в экзотические тюрбаны и шаровары.

45

Какие существуют
языки движений?

В танце и пантомиме то, что люди обычно говорят словами, показано движениями
и жестами. И показано так, что всё ясно без слов. Но как именно это делается?
На каком языке? И какие языки движений существуют?
Всем известны жестовые языки, на которых общаются слабослышащие:
есть русский жестовый язык, есть жестовые языки других народов.
От них отличаются языки жестов — например, такой, какой используют
в индийском танце бхаратанатьям. Каждая мудра — жест или положение
рук — передаёт действие, отношение или эмоцию; всего их около
четырёх тысяч. С помощью мудр танцовщик может рассказать
целый эпос — историю о богах, богинях, героях и простых смертных.
Исполняют бхаратанатьям профессиональные танцовщики, и это
искусство передаётся по наследству. Знаменитая танцовщица
Танджавур Баласарасвати (1918–1984) происходила из семьи, где
девочки неизменно становились исполнительницами бхаратанатьям.

В классическом балете тоже есть свои жесты
для выражения любви, страдания, смерти,
но их гораздо меньше: чтобы показать красоту
возлюбленной, герой обводит рукой вокруг
лица, а чтобы признаться в любви — прижимает
руку к сердцу. Когда во втором акте «Жизели»
героиня появляется на сцене со скрещёнными
на груди руками, как у покойника, мы понимаем,
что это уже не живая девушка, а лишь её тень, дух.
Тот же самый жест мы находим у египетских мумий
и на саркофагах.

46

Танцовщику не обязательно прибегать к «чужим» жестам, ведь у самого тела есть
естественный язык, который мы тоже хорошо понимаем. Подпрыгнуть от радости,
задрожать от испуга, замахнуться в ярости или тихо погладить кого-то по плечу —
все эти движения можно переложить в танец.
«Движение никогда не лжёт» — как-то услышала маленькая Марта Грэм
в разговоре её отца с гостем. Девочка подросла, стала танцовщицей, потом
хореографом. Танец Грэм часто передаёт драматические, сильные эмоции.
В «Плаче» нет слов и не слышно рыданий, но танцовщица заставляет зрителя
поверить в её чувства.
Посмотри на танцовщика, взмывающего в прыжке: у тебя захватит
дух и на мгновение ты можешь ощутить состояние невесомости. И наоборот,
от взгляда на тело, скрученное, как у Марты Грэм в «Плаче», испытываешь
дискомфорт и даже боль. На научном языке это называется «кинестетической
эмпатией». На такой невольной, интуитивной реакции на чужие движения
основана способность человека сочувствовать другим — способность,
без которой мир перестал бы существовать.

47

Какое тело
нужно танцору?
Танцевать в своё удовольствие может любой человек, независимо от телосложения.
Да и для того, чтобы стать профессиональным танцовщиком, не обязательно
соответствовать строгому телесному стандарту, например балетному. Мы уже
знаем, что в мире существует множество разных танцев. Даже в сценическом
танце, который мы видим в театре, есть много направлений; с некоторыми из них —
балетом, свободным танцем, танцем модерн — мы уже знакомы.
И всё же если ты хочешь танцевать профессионально, надо много
заниматься, тренировать своё тело. Музыкант играет на музыкальных
инструментах, художник пишет красками и кистью, а инструмент танцовщика —
его тело. Искусство танца напрямую зависит от физических качеств и умений
исполнителя. Есть такие качества, которые ценятся почти во всех видах танца: сила,
выносливость, гибкость. Чем сильнее и гибче тело, тем шире спектр его движений.
«Надо научиться своему телу», — утверждал один из создателей танца модерн
Рудольф Лабан. И лучше начинать это обучение с детства, хотя есть примеры
выдающихся танцовщиков и хореографов, пришедших в танец не сразу: Фредерик
Аштон, Мэтью Борн, Рудольф Нуреев и другие.
.

48

Как научиться
танцевать?

В балетные школы принимают девочек и мальчиков, окончивших начальную
школу, в десять-одиннадцать лет. Но заниматься балетом они начинают ещё
раньше, с шести-семи лет. К телу в балете предъявляют строжайшие требования:
нужны выворотность (каждая нога разворачивается в тазобедренном суставе
на девяносто градусов), ровная спина, большой шаг, стопа с высоким подъёмом
(когда носок оттянут, стопа образует арку), небольшая масса тела, а для девочек,
как правило, невысокий рост. При поступлении в балетную школу ученики
проходят тщательный медицинский осмотр: нужно убедиться, что у них нет
слабых мест, которые могут в будущем помешать их танцевальной карьере.
Обучение в балетных школах следует принципам, которые итальянский
педагог Карло Блазис изложил ещё в 1828 году в книге «Код Терпсихоры». Блазис
рекомендует заниматься экзерсисом — упражнениями на развитие разных частей
тела — по крайней мере три часа в день. Это необходимо для формирования
балетного тела, поддержания его в рабочей форме и предупреждения травм.
Процесс обучения в балете долгий и трудный. Не все
могут стоять по первой позиции, когда пятки стоят
вместе, а носки развёрнуты наружу, в противоположные стороны. В старину, чтобы приучить ученика
к выворотности, применяли специальное устройство — деревянный станок для ног.
Всё это требуется в балете. Но как быть
с разнообразием танца, с другими его направлениями и стилями? Всем ли танцовщикам нужно балетное
тело? Ведь даже в балете эталонная фигура менялась
от эпохи к эпохе: в конце XIX века артистки имели
округлые формы, тогда как сейчас идеал балерины —
тонкая фигурка с длинными ногами, руками и шеей.

49

Такие разные танцы
«Каждый должен танцевать танец своего тела», — говорила Айседора Дункан,
признавая тем самым, что к телу танцовщика стандарты неприменимы.
Возможно, поэтому её танец называют свободным: если хочешь, можно танцевать
и сидя, и на инвалидной коляске. Последовательница Дункан, танцовщица
из Вены Хильда Хольгер, ещё в 1968 году стала заниматься танцем с детьми
и подростками с синдромом Дауна, а в 1980 году её ученики создали первую
инклюзивную танцкомпанию с участием обычных танцовщиков и артистов
с особенностями развития. Сейчас таких групп и компаний много; одна
из наиболее известных — английская Кандоко.
У самой Дункан не было балетной выворотности и высокого
подъёма стопы, который заставляет стопу выгибаться, как
натянутый лук. Но она всегда стремилась быть собой, искать себя
через танец — и потому много импровизировала под разную
музыку, сама придумывала танец, подходящий именно ей.
Впечатление лёгкости создаётся в нём не высокими прыжками,
как в балете, а связью движений с дыханием. Импульс к движению
исходит из области солнечного сплетения и диафрагмы. От вдоха
движение передаётся в другие части тела, как бы переливаясь
и создавая впечатление мягкости, непрерывности, текучести.

50

Ты уже понимаешь, что для разных стилей танца
тело тоже должно быть разным. Балет называют
«танцем ног», ведь в нём нужно тянуть носок
и колени, а в африканских и джазовых танцах ноги
присогнуты и очень подвижны бёдра. В 1920-х годах
афроамериканка Жозефина Бейкер выступала
в мюзик-холлах Парижа в юбочке из бананов
или травы, которая, колыхаясь, подчеркивала
движения бёдер. Это было невиданно, скандально
и положило начало моде на танцы под джаз —
чарльстон, твист, а позже — на рок-н-ролл.

Ты уже знаешь, что индийский танец требует особой гибкости кистей рук
и развитых мимических мышц лица. Это целый язык движений, в котором
есть множество мудр — позиций рук и пальцев, каждая из которых имеет
определённый смысл, — и не меньше мимических выражений.
Танец модерн, который появился в начале ХХ века, требует сильного,
гибкого, тренированного тела, способного передать столь же сильные чувства. Одна
из создательниц этого стиля, Марта Грэм, говорила, что «не хочет быть ни деревом,
ни цветком, ни волной». Она ценила в танце энергию, силу и от исполнительниц
ждала, что они будут не грациозными маленькими эльфами, а земными женщинами.
Если тело балетного танцовщика вытянуто по вертикали и словно хочет взлететь,
оторваться от земли, то в модерне много движений на полу — партерных
(от французского par terre, «на земле»). Упражнения развивают способность
танцовщика чередовать напряжение и расслабление, менять тонус мышц. Тело,
способное быстро переходить из одного состояния в другое, от напряжения
к расслаблению и обратно, лучше передаёт внутренние переживания.

Буто по-японски значит «танец», «ритм». Этот стиль появился
в середине ХХ века как синтез традиционного японского
театра и западного модерна. Танцовщику буто не обязательно
обладать прекрасным, стройным, молодым телом: приметы
возраста могут быть не менее выразительными. Мастер буто
Кадзуо Оно (1906–2010) прожил очень долгую жизнь и почти
до последних дней преподавал танец.

51

Зачем Терпсихора
надела кроссовки?

Вторая половина ХХ века была временем больших перемен и революций
во многих областях, в том числе и в танце. Из академических театров
с обитыми бархатом ложами и дорогими билетами танец переместился
в места более демократичные — студии и городские пространства.
Там зрители не были отделены от сцены рампой и оркестровой ямой,
а размещались на одном уровне с танцовщиками, иногда на расстоянии
вытянутой руки. За посещение спектаклей часто брали символическую
плату, а порой и не брали вообще.

Танцовщицы исполняют «Фазу»,
хореографию нашей современницы
Анны-Терезы де Кеерсмакер, —
и тоже в кроссовках.

52

Танцовщики чувствовали себя не просто исполнителями,
а революционерами или реформаторами искусства танца. Многие
из них создавали собственную хореографию и танцперформансы.
Американку Ивонну Райнер не приняли в балетное училище
из-за неидеального телосложения — отсутствия выворотности,
слишком длинной спины и недостаточно длинных для балета ног.
Однако она не отчаялась и создала целое направление в танце,
которое иногда называют «постмодерн», что значит «после модерна».
В 1964 году Райнер выпустила «Нет-манифест», в котором слово «нет»
повторялось тринадцать раз. Она говорила «нет» красивости, гламуру,
виртуозности и звёздному имиджу солистов. Вместо пуантов она
надела кроссовки, совсем как в брейке и хип-хопе, чтобы расширить
границы сценического танца, открыть его улице и танцовщикам
с небалетным телом. А ещё показать, что танец — не только искусство,
но и физический труд. Один из танцев Райнер так и назывался: «Ум —
это мускул» («The Mind Is a Muscle»). В нём есть повторяющиеся
серии простых повседневных движений: ходьба, бег, невысокие
прыжки, взмахи рук… Танцовщица ни на миг не прекращает усилий
и не теряет энергии, проявляя такую же выносливость, как бегун
на длинной дистанции. Зритель, по замыслу хореографа, становится
свидетелем работы особого, телесного разума. О телесном разуме,
или кинестетическом интеллекте, мы поговорим в следующей главе.

53

Постановка: «Баттл»

54

Раньше в кроссовках танцевали только на улицах. В 1970-е годы в НьюЙорке появился новый музыкальный стиль — хип-хоп, и сначала
мальчишки, а потом и девочки стали под него танцевать. Для хип-хопа
характерны импровизация и «кач» — движения корпусом вперёдназад или из стороны в сторону под музыкальный бит. Танцоры хипхопа одеваются в свободную одежду, чтобы движения были объёмнее
и свободнее. Среди сегодняшних звёзд хип-хопа — французы Les Twins
(Близнецы), Diablo и Niako, Ukay из Германии, Martha, Niki из Швеции,
L’eto, Kadet и Damien из России. Славу приносят им победы в баттлах —
танцевальных поединках — и в международных соревнованиях, таких
как Juste Debout. Для любителей хип-хопа баттл — зрелище не менее
увлекательное, чем для любителя балета — спектакль в Большом театре.

55

Что чувствуют
и как думают
танцовщики?
Мы начали эту книгу с того, что танец — не только внешнее физическое
движение, но и внутреннее состояние танцующего. Тем он и замечателен, что тело и душа действуют в нём заодно, пребывают вместе. В этой
главе мы поразмышляем над тем, что у танцовщика есть не только
тело, но и внутренний мир — мысли, воображение и чувства. В их числе
«шестое чувство» — мышечное, кинестетическое. Оно лежит в основе
ловкости, или, по выражению ученых, кинестетического интеллекта.
Если говорить совсем просто, танец развивает и тело, и ум, и воображение, и внутреннюю чувствительность.

Что такое «шестое чувство»?

Вспомни приятное покалывание, когда, вставая после долгого сидения, ты
потягиваешься и разминаешь онемевшее тело. Или ощущения при ходьбе,
особенно босиком, когда стопы соприкасаются с землёй или полом.
Ощущение опоры помогает устойчиво стоять на земле, и потому оно важно
для танца. А ещё оно помогает чувствовать себя уверенно — сохранять
устойчивость в меняющемся мире.
Мышечное чувство, или кинестезию (от греческих слов кине — движение,
и эстезис — ощущение, чувство), иногда называют шестым чувством, потому
что его открыли после хорошо известной пятёрки чувств: зрение, слух, обоняние, осязание, вкус. Однако для танцовщика это чувство по важности —
первое. Оно отвечает за координацию движений и способность тела сохранять
равновесие. Благодаря ему человек, не обязательно прибегая к помощи глаз,
контролирует положение своего тела и его частей, направление движения
и ориентацию в пространстве. Когда врач-невролог просит тебя, закрыв глаза,
дотронуться пальцем до носа, он тестирует среди прочего кинестезию. Лучше
всего эта способность развита у канатоходца — его ещё называют «канатным
плясуном». Канатоходец может ходить и делать трюки — «плясать» на канате
с повязкой на глазах (вспомни смелого и ловкого Тибальда из «Трёх толстяков»). А наш современник, Ник Валленда, с закрытыми глазами прошёл
по проволоке, натянутой между двумя небоскрёбами. Он канатоходец в седьмом поколении, его прапрапрадедушки тоже были канатными плясунами.

56

Кинестезия прекрасно развита не только у канатоходцев
и танцовщиков, но и у спортсменов, у тех, кто занимается
восточными единоборствами или умеет работать руками —
готовить, шить, чинить и мастерить.
Существуют люди, ловкие от природы — или, как говорят
психологи, моторно-одарённые. Например, выдающийся
танцовщик Михаил Барышников. В фильме «Белые ночи»
есть сцена, где герой, которого он играет, крутит на спор
ровно одиннадцать пируэтов, ни больше ни меньше. Конечно,
природные способности можно и нужно совершенствовать,
и Барышников поступает именно так. «Я не пытаюсь танцевать
лучше всех, — говорит он. — Я только пытаюсь танцевать лучше, чем я сам». Танцовщики постоянно совершенствуют
и своё тело, и своё «шестое чувство».
Осваивая танец и другие точные и координированные
действия, человек улучшает не только физические способности, но и ум, интеллект. Это знали уже древние. Афинский
философ Сократ решил в зрелом возрасте учиться танцу,
считая, что без него образование неполно. А китайский
мудрец Конфуций говорил: «Никогда не давай меч тому, кто
не умеет танцевать».

57

Постановка: «Болеро»
Не стоит думать, что философией могут заниматься только
учёные. Многие танцовщики и хореографы — тоже интеллектуалы, любят читать, думать, размышлять. К тому же у танцовщика мыслит тело. Отец французского хореографа Мориса
Бежара (1927–2007) преподавал философию в университете,
и сам Морис в лицее (старших классах школы) получал отличные отметки по философии. Однако в детстве он мечтал
стать тореадором, профессионалом корриды — боя быков.
Видимо, профессия танцовщика, которую он в конце концов
приобрёл, стала чем-то средним между философией и корридой, — ведь у танцовщика думает всё тело. А ещё Бежар был
плодовитым хореографом и поставил около восьмидесяти
балетов, в том числе на глубокие философские темы.

58

Один из самых известных балетов Мориса Бежара —
«Болеро» на музыку Мориса Равеля. Болеро — традиционный
испанский танец, однако Равель сочинил свою музыку
под впечатлением от похода в сталелитейный цех.
Его «Болеро» ритмичное, как работа машины, и в то же
время очень эмоциональное, даже страстное. Кордебалет
двигается в ровном ритме, а солист в центре танцует
мелодию. Сольную партию в «Болеро» исполняли и
мужчины — например, аргентинец Хорхе Донн, и женщины —
в том числе прославленные танцовщицы Майя Плисецкая,
Сильви Гиллем, Диана Вишнёва. Этот балет по энергетике
не уступает корриде или рок-концерту; его показывают
на аренах и площадях.

59

Как мыслит тело?
Иногда говорят, что у тела есть своя мудрость, свой кинестетический
интеллект. В повседневной жизни мудрость тела задавлена грузом условностей и привычек, однако её можно освободить. Так считают, например,
создатели соматики — дисциплины, которая возникла в 1970-х годах.
Сома — по-гречески «тело», но не просто тело как предмет, плоть, а переживаемое «изнутри», «моё» тело. Соматика включает упражнения, развивающие не силу и выносливость, а способность чувствовать, осознавать
свои тело и движения. Томас Ханна (1928–1990), придумавший этот метод
и сам термин, считает, что из-за стрессов и психологических травм —
серьёзных обид, неудач и других испытанных в прошлом несчастий —
в теле человека возникают зажимы мышц и блокировки некоторых движений, а соматика позволяет от них освободиться. Даже если ты не собираешься стать профессиональным танцовщиком, прислушаться к своему
телу, научиться осознавать привычные движения полезно — это позволяет
избавиться от дурных двигательных привычек и изменить своё состояние
к лучшему. Вот простой приём соматики, который ты можешь попробовать, когда волнуешься (например, перед экзаменом или когда читаешь
стихотворение на публике): прислушайся к своему дыханию, проверь, что
ровному дыханию ничто не мешает, посчитай вдохи и выдохи, попробуй
их растянуть, сделать их длиннее — и, скорее всего, ты почувствуешь себя
спокойнее. Томас Ханна был инструктором по движению и преподавателем философии. Как видим, эти профессии друг другу не противоречат,
а помогают.

60

Как фантазируют
танцовщики?

«Представь, что твой позвоночник — это змея или что ты двигаешься,
как взрывающий попкорн». Так предлагает хореограф Охад Наарин,
бывший руководитель израильской танцкомпании Батшева.
На разминке он не даёт указаний «Поднимите руку!» или «Согните
ногу!», а использует язык образов и метафор. Например, предлагает
«двигаться, как будто ты икаешь» или «танцевать, как безумный
трафик». Оказалось, что думать образно, включить воображение
танцовщику очень полезно: это помогает отрешиться от двигательных
привычек и заняться поиском новых движений, превратить тело
в пространство эксперимента. Это ещё и приятно: человек перестаёт
выполнять чужие инструкции и начинает двигаться сам, в своё
удовольствие. Новый метод Охад Наарин назвал «гáгой» (имя, как
ты понимаешь, скорее шутливое, чем серьёзное). Он человек с юмором:
может предложить танцовщикам пощекотать себя или побарабанить
по разным частям тела, погримасничать или расхохотаться.
Ясно, что его метод не ограничен профессионалами: гáгой могут
заниматься все желающие.

61

Важна ли
для танца музыка?
В главе о хореографе и о том, как он сочиняет танец,
мы говорили, что часто хореографию подсказывает музыка.
Но одна музыка будто сама помогает двигаться, а под другую
танцевать сложно. Почему? И действительно ли танцу нельзя
обойтись без музыкального аккомпанемента? А что, если тишину тоже можно танцевать? Могут ли обычные, повседневные звуки — например, шаги или шум от движения — служить
аккомпанементом танцу? Танец и музыка всегда были рядом,
как у древних греков в хорее, но дружат ли они в наше время?

62

Под какую музыку
лучше танцевать?

Есть музыка, под которую ноги сами идут в пляс: она подсказывает,
где шаг, где поворот, а где прыжок. Так происходит в народной пляске
и в бальных танцах разных времен — в менуэте, вальсе или чарльстоне,
в клубных танцах под современную поп-музыку. Музыка, подходящая
для танца или специально сочинённая для него, называется дансантной. Многие композиторы — Чайковский, Глазунов, Стравинский,
Прокофьев — писали по заказу балеты. Прочитав либретто, они представляли себе, что будет происходить на сцене, и включали в партитуры медленные адажио для дуэта, па-де-де для солистов, танцы кордебалета (например, знаменитый Вальс цветов в «Щелкунчике»). Иногда
они сочиняли узнаваемые мелодии для отдельных персонажей: такова,
например, мелодия Одетты в «Лебедином озере» или Феи Сирени
в «Спящей красавице». И сейчас композиторы продолжают сочинять
музыку для танцспектаклей. Подчас в ролях композитора и хореографа
выступает один человек: так, известный хореограф израильского происхождения Хофеш Шехтер сам пишет музыку к своим танцевальным
композициям.
Однако множество произведений классической музыки
написано только для уха, чтобы слушать, да еще и неподвижно. Связь движения и звука в них не столь ясная. И всё же
хореографы часто выбирают именно такую, недансантную
музыку — классическую и романтическую. Она даёт больше
свободы танцовщику и хореографу, будит их воображение,
помогает придумывать новые движения и необычные комбинации. Такую музыку любили в свободном танца начала
XX века. Она не подсказывает танцовщику традиционных
движений, зато передаёт эмоцию, настроение. А это для
создания танца не менее ценно.
Балетмейстеры начала прошлого века начали обращаться к симфонической музыке. Фёдор Лопухов, Джордж
Баланчин и другие сочиняли балеты на музыку Бетховена
и Баха; Касьян Голейзовский и Леонид Якобсон — на музыку своих современников Скрябина и Прокофьева. Но были
и те, кто считал танец искусством, независимым от музыки,
самодостаточным. Они думали, что движения тела прекрасны
как таковые, не нуждаются в аккомпанементе и сами задают ритм танцу. Американский хореограф Джером Роббинс
в работе «Движения» («Moves», 1959) позволял артистам
танцевать в тишине, под аккомпанемент собственных шагов
и дыхания. А Михаил Барышников исполнил танец под удары
своего сердца, которые, пройдя через усилитель, транслировались на сцену.

63

Бывает ли танец
без ритма?

64

Любимый инструмент танцовщицы модерна Мэри Вигман — гонг, под удары
которого она — надев маску — исполняет
свой «Танец Ведьмы». В этой работе ритм
создаётся не только ударным инструментом, но и внезапными колдовскими движениями Ведьмы под аккомпанемент гонга.

Ритм окружает нас повсюду и сопровождает внутри. Твоё сердце, твои лёгкие работают размеренно, ритмично; ходьба и бег тоже совершаются в определённом
ритме. Ровный ритм помогает в работе: копать или пилить легче в постоянном
ритме напряжения и расслабления. Регулярно повторяющиеся движения лежат
в основе любой работы и народных танцев: это наводит на мысль, что без ровного ритма танец и не существовал бы. Но монотонный ритм может вызвать скуку
у зрителя. Смотреть интереснее такой танец, в котором ритм меняется и не даёт
нам заснуть. В джазе и современном танце часто используют «рваный» ритм.
Например, Мэри Вигман в своём знаменитом «Танце Ведьмы» сначала завораживает, гипнотизирует зрителя монотонным ритмом, а потом внезапно взрывается
его резкой сменой или столь же внезапно останавливается, замирает. Есть такие
ритмы, под которые усидеть просто невозможно. Если ритм европейского вальса
побуждает расслабиться и помечтать, то латиноамериканские ритмы — румба,
сальса, ламбада — увлекают в пляс. На этих ритмах основана, например, популярность зумбы — направления фитнеса, которое создал колумбиец Бето Перес,
победитель чемпионатов по ламбаде. А бразильские ритмы отлично подходят
капоэйре: этот полутанец — полуборьбу придумали рабы-африканцы, работавшие на плантациях Южной Америки. Аккомпанирует капоэйре небольшой оркестр из самодельных инструментов, в котором ритм ведёт атабаке — огромный
африканский барабан.

65

Как музыка рождает
новые танцы?
Исторически танец тесно связан с музыкой. В эпоху барокко
названия танцев и музыкальных пьес часто совпадали: так,
и в музыке, и в танце существует форма рондо — «круговое
движение». Полька — это и народная мелодия, и танец,
вошедшие в моду во второй половине XIX века. Танго —
музыка и танец родом из Южной Америки.

66

Как только появляется новый музыкальный стиль, под ритм которого
легко двигаться, рождается новый танец. Регтайм, жанр танцевальной
музыки начала прошлого века, обладал настолько заводным «рваным»
ритмом (музыканты называют его «синкопированным»), что вдохновил весёлые «танцы животных». Танцующие подражали движениям
зверей и птиц в танцах «медведь гризли», «шаг индюшки», «объятия
кролика». В 1920-е годы в кафе и на танцплощадках зазвучали джазовые оркестры — джаз-бэнды, под звуки которых все танцевали модные
фокстрот, чарльстон и шимми. В 1930-е годы сложился большой джазовый оркестр из многих инструментов — биг-бэнд. Его звучание раскачивало публику, как в лодке или на качелях. Так появились танцы в быстром темпе — свинг (что и означает «раскачивание») и линди-хоп.
После войны в моду вошли твист и рок-н-ролл: сначала, как водится,
возникли музыкальные стили, а следом — одноимённые танцы.
Когда ансамбли на танцплощадках стали уступать место
диск-жокеям, меняющим виниловые диски на проигрывателе,
родился стиль диско, а сами танцплощадки стали называться
дискотеками. Диджеи ставили пластинки и микшировали
записи, не давая танцорам заскучать. Как только возник рэп,
появился и танец хип-хоп. Наконец, синтезатор и компьютерная музыка принесли с собой техно и другие современные
стили. Новые танцы рождаются и сейчас. Хореография, созданная на основе любимого всеми хита, например песни рэпера Карди Би «I Like It», разлетается по интернету — её танцуют
сотни и тысячи людей. А у тебя есть любимая песня, под которую классно танцевать?

67

Как меняется
танец?
Мы говорили о том, как люди танцевали в разные эпохи, от древности до наших дней, и как они танцуют сейчас в разных уголках мира.
О том, что танец — это искусство, которому посвятили себя многие
танцовщики, хореографы, либреттисты и другие профессионалы.
Они делали открытия, нарушали правила и придумывали новые,
возвращались к древности и стремились в будущее, исследовали
возможности тела. Они искали чего-то неизведанного, интригующего, современного — и поэтому танцевали. Что мы называем современным танцем сейчас? Где он живёт? Что будет с ним через сто лет?
Умеют ли машины танцевать и сможет ли искусственный интеллект
сочинять хореографию? В этой главе вопросов больше, чем ответов,
но мы попробуем во всём разобраться.

68

Какой танец называют
«современным»?

В самом широком смысле современный танец — это всё, что танцуют
наши современники. Но есть и более узкий, специальный смысл этого
выражения: это танец, который возник в ХХ веке наряду с балетом. Теперь
на сцене танцуют и на пуантах, и босиком, и в кроссовках. Рядом с артистами балета встают артисты современного танца, и даже классические
балерины учатся обоим стилям. Если в классике требуется соблюдать
чёткие правила, то в современном танце принято их нарушать. Для этого
современным художникам танца требуются смелость и хорошее знание
того, что делали их предшественники.
Как вы уже знаете, появившийся в начале ХХ века новый танец
назвали «модерн», что и значит «современный». С некоторыми хореографами этой эпохи мы уже познакомились: это Рудольф Лабан, Мэри Вигман, Марта Грэм, у нас — Касьян Голейзовский, Леонид Якобсон, Юрий
Григорович и другие яркие хореографы и танцовщики. Во второй половине ХХ века им на смену пришло молодое поколение хореографов, и свой
танец они стали называть «contemporary» — «современный». В театрах
нашей страны долгое время можно было увидеть только балет и народно-сценический танец. Сейчас современный танец есть и у нас: достаточно посмотреть работы таких замечательных хореографов, как Евгений
Панфилов, Татьяна Баганова, Александр Пепеляев и Ольга Пона.
Современный танец и современный балет — это разнообразие художественных методов, свобода выражения себя в творчестве, эксперимент
с движением, звуком и светом на сцене. Хореографы по-прежнему обращаются к классическим сюжетам: Фредерик Аштон ставит волшебную
сказку Шекспира, а Джон Кранко — пушкинского «Евгения Онегина».
Но часто они отталкиваются от внутреннего мира артиста, от его ощущений: так работают, например, Пол Лайфут и Соль Леон, Марко Гёке и Охад
Наарин. Другие черпают вдохновение из живописи или спорта: Ханс
ван Манен вдохновлялся картинами абстракционистов, а Кеннет Макмиллан — фигурным катанием, некоторые движения которого перешли в его
балет «Ромео и Джульетта». Хореографы Сиди Ларби Шеркауи, Акрам
Хан и Хофеш Шехтер вовлекают зрителей в диалог разных культур, соединяя западные и восточные стили. Современные художники танца часто
возвращаются к истокам и природе. В некоторых спектаклях Кристал Пайт
участвует до сотни артистов, и в групповых сценах они движутся, словно
пчелиный рой. Иногда хореографы буквально переносят природу в театр:
в постановке Пины Бауш «Весна священная» по сцене разбросаны комья
земли, а в её же «Гвозди́ках» — тысячи алых цветков гвоздики.
Современные хореографы нередко сочиняют композиции
не для сцены, а для другого, на первый взгляд неподходящего пространства — памятника архитектуры, лесной поляны, крыши небоскрёба…
Такие спектакли, придуманные специально для конкретного места, называют «сайт-специфичными» (от английского site-specific). Есть ли недалеко от вас такой уголок, где хорошо смотрелся бы современный танец?

69

Постановка:
«Гвоздики»

70

В танцспектакле Пины Бауш «Гвозди́ки» сцена устлана
цветами. Артисты выходят на сцену в вечерних костюмах —
мужчины при галстуке, женщины — в шёлковых платьях
до пят. И вдруг они начинают вести себя странно: падают
со стульев, забираются под столы, дерутся, обнимаются…
И зрителю становится ясно, что это не просто артисты,
а живые люди, со своими чувствами и мечтами, такие же,
как и он сам. Алые гвозди́ки служат ярким фоном действия,
добавляют в него света, тепла и эмоций. Пина Бауш создала
очень театральный и в то же время очень человечный,
гуманный танец.

71

Танец и кино
А ещё танец всегда служил отличным материалом
для кинематографа. Как мы уже знаем, слово кине
по-гречески означает «движение». На самых первых
кинолентах конца XIX века часто заснято движение —
танцующие женщины, идущие толпы, мчащийся
паровоз… Есть замечательные фильмы-балеты: «Ромео
и Джульетта» с Галиной Улановой в главной роли, «Галатея»
с Екатериной Максимовой и Владимиром Васильевым,
а ближе к нам — «Пина — танец страсти» режиссера
Вима Вендерса или «Каннингем» Аллы Ковган. Современный
кинотанец — особый жанр, не просто запись танцевального
номера или спектакля, а настоящий фильм со своим
сценарием, кастингом, сложной работой оператора
и режиссёра. Часто его снимают несколькими камерами,
а потом монтируют изображение, чтобы зритель мог видеть
и движения, и лица танцовщиков крупным планом, и фон,
на котором они танцуют.

72

Умеют ли роботы
танцевать?

Современный человек живёт в мире техники. Уже больше века назад
людей посещала мысль, что машины тоже могут танцевать, а человек —
уподобиться машине. В 1923 году в Москве театральный режиссер Николай
Фореггер поставил номер «Танцы машин»: на сцене группа актёров
в физкультурных майках и трусах слаженно двигалась, изображая работу
паровоза, коленчатого вала или двуручной пилы. В то время это выглядело
забавным курьёзом. Но не прошло и ста лет, как человек научил танцевать
роботов, сконструировал протезы для людей с ампутированными
конечностями, позволяющие не только ходить, но и вальсировать, написал
компьютерные программы для создания хореографии. Иначе говоря,
человек стал киборгом — «кибернетическим организмом».
Современный танцперформанс редко обходится без компьютер­
ных технологий, то есть становится цифровым перформансом. Танец
может быть дополнен видеопроекцией — и тогда исполнитель танцует
с ней как с партнёром или тенью. Тело танцовщика может быть достроено
с помощью технических устройств. Например, австралийский перформер
Стеларк (Stelarc) присоединяет к мышцам электроды, по которым идут
случайные сигналы из интернета, и надевает экзоскелет: получается,
что его движениями управляет не он сам, а цифровые технологии.
Хореографы Мерс Каннингем и Уэйн Макгрегор для создания своих
композиций пользовались компьютерными программами.
А Эдвард Клюг создал спектакль «Сны Спящей красавицы», в котором
на исполнительницу Авроры крепятся сенсоры, и на экране вместе
с ней танцуют её аватары.
Но и без подключения себя к компьютеру при желании можно на какой-то момент превратиться в робота или киборга.
В уличном танце — хип-хопе — существует стиль «робот»,
или «манекен», когда движения танцовщика похожи на механические. Они особенно удавались Майклу Джексону: со своими братьями он создал номер «Танцующая машина», а в танцевальных соло придумал знаменитую «лунную походку».
Так что же ждёт нас дальше? Всё более и более виртуозные движения человека? Танцы андроидов? Хореография,
созданная искусственным интеллектом? Точно сказать
невозможно. Но хорошо известно: чем свободней ты двигаешься и чем крепче стоишь на ногах, тем больше у тебя
уверенности в себе и тем больше возможностей откроется
перед тобой в жизни.

73

Хроника
В книге мы рассказали о разных
танцах, о том, как и почему они
появились. Чтобы ты мог лучше
запомнить, когда произошли
описанные в книге события,
мы расположили их на линии
времени — как говорят историки,
в хронологическом порядке.

400 лет
до нашей эры

В Северной Индии появился катхак
(от катха — рассказ, история) —
традиция рассказывать эпос
о Кришне и других богах и героях
языком движений.

1700

6000–4000
лет
до нашей эры

Люди танцевали всегда. Но самые
ранние достоверные доказательства этого — наскальные изображения танца — появились во время
неолита, или «новокаменного
века». 8000 лет — примерно таков возраст граффити, найденных
в пустыне Сахара.

1589

В трактате француза Туано Арбо
«Орхезография» описаны танцы
эпохи Возрождения — гальярда,
бранль, павана и другие. Некоторые из них, например бранль,
танцевали и простолюдины на деревенских праздниках, и знатные
люди во дворцах.

74

1830–1840

В балетах «Сильфида» и «Жизель»
танцовщицы впервые встают
на пуанты. Эти балеты называют
«белыми», по цвету костюмов танцовщиц, или «романтическими».
В это время возникает привычный
для нас образ балерины.

1880–1900

VIII–VII века
до нашей эры

В поэме «Теогония» греческого
автора Гесиода среди девяти муз,
спутниц бога Аполлона, упомянута Терпсихора — покровительница танца. В это время в Греции
развивается искусство хореи,
объединяю­щее в себе танец,
музыку и стихосложение.

Придворный бал подчиняется
этикету — строгимправилам,
определяющим, как одеваться, как
знакомиться, какие танцы, в каком
порядке и с кем танцевать. Появляются балетмейстеры — руководители бала, учителя и сочинители танцев. Один из них, Рауль-Оже Фёйе,
использует термин «хореография»
(от хорея — пляска, графио — писать), в значении «описание танца».
Также Фёйе предлагает систему
записи танца — танцнотацию.

1653

Во Франции поставлен «Королевский балет ночи», в котором юный
Людовик XIV выступил в роли
бога солнца Аполлона. В 1661 году
«король-солнце», как стали называть Людовика, открыл в Париже
первую Академию танца для подготовки профессиональных танцовщиков.

Золотой век русского балета.
В Мариинском театре в Петербурге поставлены балеты «Спящая
красавица», «Лебединое озеро»,
«Щелкунчик», «Раймонда» и другие; они идут до сих пор в ведущих
театрах мира.

1900–1920

Вслед за музыкой регтайма и джаза появляются «танцы животных»,
фокстрот, чарльстон и другие
популярные клубные и эстрадные
танцы.

1902

Айседора Дункан выступает
в Европе с сольной программой,
которая даёт начало «свободному»,
или «пластическому», танцу. Теперь
по всему миру танцовщики будут
подражать Дункан: танцевать босиком, отвергать прежние сковываю­
щие костюмы, импровизировать
и искать свои собственные, а не заученные движения.

1907

Вдохновлённый танцем Дункан,
Михаил Фокин ставит балет
«Шопениана» и номер «Умирающий лебедь». Эти постановки
на романтическую музыку Шопена
и Сен-Санса окажут влияние
на балет ХХ века.

1928

Премьера балета Джорджа Баланчина «Аполлон Мусагет», с которого принято отсчитывать возникновение «неоклассического» стиля.

1930-е

Новое поколение хореографов
в Европе (Рудольф Лабан, Мэри
Вигман) и США (Марта Грэм, Дорис
Хамфри и другие) создают стиль,
который называют «современным»,
или танцем модерн. В это же время
в Советском Союзе свободный
танец и модерн подвергаются
критике и попадают под запрет.

Конец 1940-х

Людмила Алексеева и другие последовательницы Дункан создают
художественную гимнастику —
систему упражнений под музыку
для женщин, которая затем становится олимпийским видом спорта.

1970-е

Музыкальный стиль хип-хоп порождает одноимённый уличный
танец. Появляются разные направления хип-хопа: «робот», «локинг»
и «паппинг» — стремительные
движения с внезапными остановками, иногда похожие на операции
робота.

1973

Немецкая танцовщица и хореограф
Пина Бауш становится художественным руководителем театра
танца в городе Вупперталь. Постановки этого театра доказывают, что
современный танец может быть
искусством, не уступающим в популярности балету.

1997
1909–1914

В Париже идут Русские сезоны —
красочные, феерические представления с участием невероятно
талантливых исполнителей, хореографов и сценографов. Они задают
моду не только в танце, но и в нарядах парижских модниц и щёголей.

1923

В Москве режиссер Николай Фореггер ставит «Танцы машин» — номер,
в котором танцовщики изображают
работу механизмов — например, коленчатого вала или двуручной пилы.
Развитие техники заставляет людей
задумываться о том, только ли человеку свойственно танцевать.

1964

Американская танцовщица Ивонна
Райнер пишет «Нет-манифест», против стремления хореографов делать
красивые, но бездумные постановки.
Райнер и её единомышленники становятся основоположниками нового
стиля — постмодерна.

1968

Танцовщица и хореограф Хильда Хольгер проводит в Лондоне
занятия танцем для детей с синдромом Дауна. Из этой инициативы
рождается The Amici Dance Theatre
Company — одна из первых инклюзивных танцевальных компаний,
объединяющая артистов с особенностями и без.

Перформер Стеларк подключает
своё тело к интернету с помощью
электродов и тем самым даёт начало цифровому перформансу.

2000-е

Охад Наарин, руководитель танцевальной компании Батшева, предлагает метод гага для подготовки
танцовщиков и всех желающих.
Занятия гагой, современным танцем, соматикой становятся не менее популярными, чем физкультура
и фитнес.

75

Глоссарий
Антрепренёр

Белые балеты — сцены

Артист балета —

Бранль – французский танец
эпохи Возрождения; его участники
держались за руки, стоя в кругу
или в ряд.

и танца, возникший в начале
1970-х годов и основанный
на соединении простых
танцевальных ритмов, энергичного
звучания электроинструментов
и светового шоу. Название
произошло от слова «дискотека»,
первоначально обозначавшего
хранилище дисков, а затем —
заведения, где воспроизводилась
музыка с грампластинок, в отличие
от традиционных клубов, где
исполнители играли вживую.

Буто́ — стиль танца, объеди­

Дуэт — танец двух партнёров,

(или продюсер) — инициатор
и организатор постановки
спектаклей, включая
танцевальные. Антрепренёр
приглашает хореографа,
художника, набирает артистов,
финансирует подготовку
спектакля и организует его
показы.

квалификация танцовщиков
и танцовщиц, получивших высшее
профессиональное образование.
Танцовщицу, исполняющую
в театре ведущие партии, которые
требуют высокого мастерства,
называют прима-балериной;
танцовщика, исполняющего
такие партии, — премьером.

Балет (итал. baletto) —
первоначально: постановочные
танцы, открывавшие придворный
бал в эпоху Возрождения.
В XVII веке сложился метод
обучения таким танцам —
экзерсис (франц. упражнение),
чётко фиксирующий позиции рук
и ног. Балет называют «танцем
ног» за виртуозную технику
прыжков и других па, в том числе
на пальцах.
Балетмейстер —

первоначально: организатор
бала, затем — постановщик
танцев в балете; сегодня
чаще используется понятие
«хореограф».

Бальные танцы —

танцы на балах, вечеринках
и танцплощадках, в которых
важны правила и знание шагов
и движений.

76

или целые спектакли, в которых
солистка и танцовщицы корде­
ба­лета одеты в белые платья или
пачки. Типичны для романтических
постановок середины XIX века,
населённых фантастическими
персонажами: сильфами, духами,
вилисами-русалками.

няющий элементы традиционного
японского театра и западного
танца модерн. Танцовщикам
буто не обязательно обладать
прекрасным, стройным, молодым
телом — ведь приметы возраста
не менее выразительны.

Га́га — метод тренировки,

разработанный в израильской
танцкомпании Батшева. Согласно
этому методу, тело должно
постоянно находиться в движении
и ощущаться как единое целое.

Дансантная музыка

(франц. dansante — танцующая) —
музыка, написанная специально
для танца или подходящая
для него. Ритм такой музыки легко
перекладывается в ритм шагов,
прыжков, поворотов и т. д.

Джаз — музыка, созданная

афроамериканцами и завоевавшая
весь мир. Под синкопированный,
прыгающий, сбивчивый ритм
джаза трудно усидеть на месте.
Джаз дал начало многим танцам,
включая «танцы животных»,
фокстрот, чарльстон и шимми.

Диско — стиль поп-музыки

в балете часто называется
«па-де-де» (pas-de-deux).

Жестовые языки —

специально разработанные языки
для общения слабослышащих.
От них отличаются языки жестов,
с помощью которых танцовщики
или артисты пантомимы передают
различные идеи, чувства
и отношения.

Импровизация —

спонтанный, не подготовленный
заранее танец, экспромт; также —
поиск новых движений в танце,
начало создания хореографии.

Инклюзивная
танцкомпания — труппа,

объединяющая танцовщиков
с особенностями (здоровья, тело­
сложения) и без.

Кинестези́я (от греч. кине —

движение, эстезис — ощущение,
чувство) — чувство движения,
или мышечное чувство. Отвечает
за координацию движений
и ориентацию тела в пространстве.

Кинотанец — так называют

и приёмы съёмки танца,
и постановку танцевальных
видеоклипов и т. д.

Конте́мпорари (англ.

современный) — направление
танца, возникшее в 1970-х
годах. Объединяет элементы
балета (техника движений ног)
и свободного танца (чередование
напряжения и расслабления,
движения на полу — «в партере»).
Контемпорари танцуют в сво­бод­
ной одежде и в удобной обуви
или босиком.

Кордебалет (франц. corps

de ballet — балетный ансамбль) —
группа артистов балета,
которые не солируют, а танцуют
группой, поддерживая солистов;
кордебалет можно сравнить
с хором в опере. В классический
кордебалет подбирались
артисты примерно одного роста
и внешности, а в современном
танце они могут быть не похожи
друг на друга.

Леота́рд (по имени
французского артиста цирка
Жюля Леотара) — гимнастический
купальник, униформа атлетов,
гимнастов и танцовщиков.
Либретто (итал. книжечка) —
детальное описание оперы (с её
полным текстом) или балета.
В либретто приводятся все
части спектакля (акты, сцены
и т. д.), инструкции и пояснения
для постановщика и краткое
содержание для зрителей.

Лунная походка —
танцевальный шаг, ставший
визитной карточкой поп-звезды
Майкла Джексона.

Метр (греч. мера, размер) —

непрерывное чередование
сильных и слабых долей
в музыке, вызывающее ощущение
равномерного колебания,
подобного пульсу и дыханию.

Модерн (франц. современ­
ный) — танец, возникший в начале
ХХ века как альтернатива балету.
Его создатели — Айседора
Дункан, Рудольф Лабан, Мэри
Вигман в Европе, Марта Грэм,
Дорис Хамфри и другие в США.
В России танец модерн бурно
развивался до начала 1930-х
годов.
Му́дры — в индийском танце:

жесты рук, дополненные мимикой
и имеющие чётко определённое
значение; всего известно около
4000 мудр.

Народные, или
традиционные,
танцы — танцы, возникшие

без участия хореографа
и передающиеся из поколения
в поколение. В танцах каждо­
го народа — свои ритмы
и танцевальные шаги. В ХХ веке
хореографы соединили отдельные
движения народных танцев
с балетом и получили гибрид —
народно-сценический танец.

Неоклассика — обновлённый

вариант балета, возникший
в XX веке; его главным создателем
считают Джорджа Баланчина.

Па (франц. шаг) — отдельное

движение, регулярно
повторяющееся в танце
и характеризующееся
определённой постановкой ног.

Постановка танца —

создание танцевального номе­
ра или спектакля, в котором
участвуют хореограф, танцов­
щики-исполнители, художник,
сценограф и представители
других творческих и технических
специальностей.

Постмоде́рн (англ.,

франц. после модерна) —
так иногда называют стиль,
появившийся в 1960–1970-х годах
и отличающийся от танца модерн
отказом от театральной сцены
и костюмов, использованием
современной музыки, новым
репертуаром движений и их
комбинаций. Его создатели —
Мерс Каннингем, Ивонна
Райнер, Стив Пэкстон и другие
американские танцовщики
и хореографы.

Ритм — в музыке: чередо­

вание звуков различной
длительности в определённой
последовательности, образующих
ритмический рисунок.

Свободный
(пластический)
танец — направление,

появившееся в начале ХХ века
благодаря Айседоре Дункан
и её последователям, в том
числе в России. Свободный
танец часто исполнялся
босиком и использовал образы
и позы, известные по античным
изображениям.

Сома́тика — система
упражнений, помогающих яснее
чувствовать своё тело, лучше
управлять его движениями
и контролировать свои
психофизическое состояние,
осанку, жесты и перемещения
в пространстве.

77

Сценограф — художник-

оформитель спектакля, автор
декораций.

Танцнотация — система

знаков и правил записи танца;
возникла в XVII–XVIII веках
в связи с усложнением бального
танца и появлением авторской
хореографии.

Танцкомпания —

танцевальная труппа, обычно
созданная одним хореографом
или антрепренёром и не обязательно
привязанная к конкретному театру.

Танцперфо́рманс —

вид искусства на стыке танца,
пластического движения и театра.
Как правило, это очень личное,
субъективное высказывание
перформера, подчас необычное
и странное, побуждающее
зрителя к размышлениям и отказу
от стереотипов. Появился в 1970-х
годах, а в Россию пришёл в 1990-х.

«Танцы животных»
(animal dances) — клубные

танцы на музыку регтайма и джаза,
в которых танцующие подражают
движениям зверей и птиц: «медведь
гризли», «индюшиный шаг»,
«объятия кролика» и др.

Туни́ка — одежда древних

римлян, служившая в том числе
костюмом для гимнастических
занятий и танца. Сделана
из сложенного вдвое
прямоугольного полотнища
с отверстиями для головы и рук.

Хип-хоп — уличный танец

под хип-хоп-музыку. Его основные
элементы — импровизация и «кач»,
движение корпусом вперёд-назад
или из стороны в сторону под бит.
Хип-хоп-танцоры носят просторную
одежду, чтобы движения были
объёмнее и свободнее. Культура
хип-хопа основана на соревнова­
нии — танцевальных баттлах,
превращающихся иногда
в настоящее шоу.

Хито́н — мужская и женская

(нижняя) одежда у древних
греков, подобие рубашки, чаще
без рукавов. Вошла в моду среди
танцовщиков начала ХХ века, в том
числе благодаря Айседоре Дункан.

Хореограф — принятое

с начала ХХ века обозначение
автора и/или постановщика танца,
номера или спектакля (до этого
говорили «балетмейстер»
и «постановщик танцев»).

Хореодрама
(хореографическая
драма), балет-драма,
драмбалет — балет на сюжет

литературного произведения,
сказ­ки. Этот жанр появился и стал
популярным в первой половине
ХХ века, но существует и сейчас.
В России яркие представители
драм­балета — Леонид Лавровский,
Ростислав Захаров, Юрий
Григорович.

Хоре́я (пляска) —

древнегреческое театральное
искусство, сочетавшее в себе
музыку, танец и декламацию.

Цифровой перформанс —

танцевальный перформанс с при­ме­
нением компьютерных технологий
и искусственного интеллекта.

78

Экзерси́с (франц. упражнение) —
система тренировочных упраж­не­
ний, лежащая в основе обучения
танцу. В балетных классах
и в классах народно-сценического
танца экзерсис делают у палки
и в центре зала; на занятиях
модерном и контемпорари делают
больше упражнений на полу.

Об авторах
Ирина Сироткина

известный исследователь танца
и двигательной культуры, кандидат психологических наук, PhD.
Ирина часто выступает с лекциями и участвует в конференциях.
Она входит в число основателей
Международной лаборатории
исследований перформанса
The PeARL, является лауреатом
Премии Международной ассоциации современных языков и автором целого ряда статей и книг
о танце для взрослых. «Зачем
люди танцуют?» — её первая книга для детей. И написать её Ирине
помогло то, что вот уже двадцать
лет она не только изучает танец,
но и танцует сама: практикует
свободный танец и «музыкальное
движение» — отечественную
версию танца Айседоры Дункан.

Мария Титова

художница и графический
дизайнер, преподаватель Мастерской Бориса Трофимова. Работы
Маши демонстрировались на российских и международных выставках, в том числе на Выставке
иллюстраторов Болонской ярмарки детской книги, а в 2019 году
её иллюстрации украшали фирменный стиль главной детской
книжной ярмарки в мире. Картинки в этой книге сделаны Машей
вручную в её фирменной технике
трафарета — оттого они вышли
такими тонкими и выразительными, как тело танцовщика.

79

УДК 087.5:793.3(091)
ББК 85.323
С40
Ирина Сироткина, Мария Титова
ЗАЧЕМ ЛЮДИ ТАНЦУЮТ. ИСТОРИЯ ТАНЦА ДЛЯ ДЕТЕЙ
А+А — совместный импринт
ООО «АВСдизайн» и ООО «Ад Маргинем Пресс»
Главный редактор
Кася Денисевич
Арт-директор
Дмитрий Мордвинцев
Исполнительный директор
Кирилл Маевский
Выпускающий редактор
Алексей Шестаков
Корректор
Людмила Самойлова
Концепция книги предложена
Diana Vishneva Foundation
Директор
Юлия Никулина
Контент-редактор
Ксения Тимошкина
Продюсер
Светлана Букреева
Пиар-руководитель
Валентина Филиппенко

Выражаем благодарность за личное участие
и поддержку в создании книги Диане Вишнёвой,
прима-балерине Мариинского театра, основателю
Diana Vishneva Foundation и Международного
фестиваля современной хореографии
Context. Diana Vishneva.
Выражаем особую личную благодарность
Ксении Сосниной, генеральному директору
Группы «Илим».
Книга напечатана на бумаге «Омела» производства
Группы «Илим», стратегического партнёра
Diana Vishneva Foundation.
Diana Vishneva Foundation
Фонд содействия развитию балетного искусства
Дианы Вишнёвой был создан в 2010 году.
Задачами Фонда являются повышение доступности
балетного искусства, популяризация современной
хореографии, создание новых балетных проектов,
помощь юным артистам и ветеранам сцены. В 2013 году
Фонд инициировал создание ежегодного фестиваля
современной хореографии Context. Diana Vishneva,
который открывает новые имена в современной
российской хореографии и проводит смотр самых
актуальных хореографических работ. В 2017 году была
открыта студия танца Context в Санкт-Петербурге,
где проходят занятия и классы как для профессионалов,
так и для любителей танца и начинающих танцовщиков.
Также Фонд продюсирует издательские, мульти­
жанровые проекты на стыке разных видов искусства,
инклюзивные инициативы. Во взаимодействии
с образовательными учреждениями Diana Vishneva
Foundation создаёт образовательные курсы,
посвящённые современному танцу и театру.
www.dianavishneva.com
www.contextfest.com

Сироткина, Ирина.
I. Титова, Мария.
Зачем люди танцуют. История танца для детей / Ирина Сироткина, Мария Титова —
М. : Ад Маргинем Пресс : ABCdesign, 2023 (А+А). — 80 с. : цв. ил. —
ISBN 978-5-91103-640-9; ISBN 978-5-4330-0195-4.
В соответствии с Федеральным законом №436-Ф3 от 29 декабря 2010 года
маркируется знаком 6+

ISBN 978-5-91103-640-9
ISBN 978-5-4330-0195-4
Все новости А+А на сайте: www.aplusabooks.ru
По вопросам оптовой закупки книг проекта «А+А»
обращайтесь по телефону: +7 499 763-32-27
или пишите: sales@admarginem.ru
По всем редакционным вопросам
Пишите: info@aplusabooks.ru
Напечатано в полном соответствии
с качествомпредоставленных материалов
в ООО «ИПК „Парето-Принт“»,
170546, Тверская область,
промышленная зона
Боровлёво-1, комплекс № 3А,
www.pareto-print.ru
Заказ № 5932/22

© Diana Vishneva Foundation, 2023
© ООО «Ад Маргинем Пресс», 2023
© ООО «ABCдизайн», 2023